“Al lettore”

È ancora in corso il tour dei Take That, che il 23 e 24 ottobre ha toccato anche Bologna e Milano, riportando nel nostro paese, dopo dodici anni, il gruppo europeo più famoso degli anni ’90, tornato inaspettatamente sulla scena musicale l’autunno scorso.

I Take That hanno sempre fatto degli show live un punto di forza, basato su coreografie sensuali, giochi di luci e costumi particolarissimi. E come negli anni ’90, anche stavolta Mark Owen, Gary Barlow, Howard Donald e Jason Orange hanno regalato ai fans non solo un concerto, ma un vero e proprio spettacolo.

Sul palco è un susseguirsi di scenografie interattive. Tra tutte spicca quella di “Never Forget ”, con i quattro che camminano all’infinito su un tapis roulant, mentre sul pannello alle loro spalle viene proiettata una strada, lungo la quale passeggiano insieme a importanti personaggi del passato (Charlie Chaplin, Audrey Hepburn), creando illusioni di continuità tra palco e schermo. I balletti sono provocanti e spettacolari, con Howard e Jason che, a quasi quarant’ anni, si lanciano in una lap dance acrobatica che lascia il pubblico senza fiato! Il palco si affolla di numerose figure: ballerini, musicisti e l’ottimo cantante Lloyd Wade, che interviene nella nuova versione di “Relight My Fire”, remixata con “Crazy” di Gnarls Barkley e illuminata da veri fuochi accesi sul palco e maneggiati dagli stessi Take That. L’elemento più spettacolare, però, è il secondo palco, posizionato proprio in mezzo alla folla, a cui si accede attraverso una lunga passerella sospesa: di volta in volta lascia spuntare un pianoforte dal centro o si innalza per sospendere a tre metri d’altezza ballerine in tutù che lanciano fiori.

Ma luci e acrobazie non offuscano, semmai esaltano, la centralità della musica. Le canzoni dell’ultimo album, più maturo e melodico, si mescolano con quelle storiche, quasi tutte cantate a squarciagola dal pubblico: dal nuovo singolo “Rule the world”, magico sotto la luce dei laser, alla classica “Back For Good”, che davvero tutti conoscono a memoria. Le storiche coreografie di “Sure”  e “Pray” affiancano nuove versioni di vecchi successi: la ritmata “Could It Be Magic” diventa un lento toccante suonato da Gary al pianoforte e anche le canzoni meno esaltanti dei primi album trovano il loro perchè, come "Give Good Feeling", preceduta da un potente pezzo house proposto da Howard in veste di deejay.

Il “Jesus Christ Superstar” italiano merita un’ovazione. È potente, coinvolgente e attualissimo. Merito del rock, suonato dal vivo da un’orchestra di 6 elementi, degli ottimi interpreti canori, ma anche dell’adattamento dei testi e della messa in scena di Fabrizio Angelini e Gianfranco Vergoni.
Il musical rock creato nel 1970 da Tim Rice e Andrew Lloyd Webber racconta gli ultimi giorni della vita di Gesù attraverso gli occhi del Messia stesso, ma soprattutto dei personaggi che gli ruotano intorno: Giuda, Maria Maddalena, gli apostoli, Pilato. È un Gesù più uomo che Dio, acclamato come una rock star, tradito dagli amici e dal suo popolo, deluso e spaventato di fronte alla morte. La versione della Compagnia della Rancia in italiano permette finalmente anche al pubblico del nostro paese di apprezzare appieno l’opera.
Nella traduzione, nel complesso piuttosto fedele, qualche elemento si perde: l’aspetto storico dell’occupazione romana della Palestina e quindi un po’ dell’empatia con Giuda, patriota anti-romano che vede svanire il suo sogno d’indipendenza di fronte all’inattività remissiva di Gesù, la cui rivoluzione non si attuerà in questo mondo.
La messa in scena è molto più moderna rispetto a quella dell’omonimo film del 1973, nei costumi e nelle scenografie, ma a ragione. Jesus Christ Superstar mostra l’attualità della storia di Gesù: osannato come una rock star nei giorni di gloria, deriso e addirittura incalzato da giornalisti senza scrupoli in quelli di crisi. In quest’ottica appare naturale avvicinare ulteriormente l’azione al nostro tempo, con apostoli in jeans, Maria Maddalena in minigonna e una rappresentazione del potere modernissima, in cui i sacerdoti che si oppongono a Gesù sono manager in giacca e cravatta, seguiti dall’onnipresente segretaria, che nel tempo libero fanno aerobica.
Gli interpreti sono straordinari, persino superiori a quelli del film di Norman Jewison. Simone Sibillano non potrebbe essere più adatto alla parte: tanto è umana la sua interpretazione di un Gesù fragile e disorientato, quanto è divina la sua voce. Il tormentato Giuda di Edoardo Luttazzi incanta ad ogni apparizione e Valentina Gullace ha voce e personalità superiori alla Maddalena del film originale.

Compagnia della Rancia, regia di F. Angelini e G. Vergoni, liriche italiane di M. Renzullo e F. Travaglio.

“Menopause” è un musical simpatico, anzi divertente. Nato in un minuscolo teatrino di Orlando (Florida) nel 2001 per opera dell’autrice e produttrice Jeanie Linders, arriva oggi in Italia in una versione adattata anche nelle musiche.
Certo, la trama (quattro donne con vite diverse che si incontrano in un grande magazzino e si scambiano esperienze e consigli) è appena un pretesto per due ore di battute e parodie di vecchie canzoni, che hanno come tema la menopausa. Ma qui non è la storia che conta. Ciò che importa è informare divertendo, parlare di menopausa come normale fase della vita di una donna, che comporta cambiamenti spesso indesiderati e fastidiosi, ma che può essere vissuta con tranquillità ed allegria.
Le musiche vanno dalla disco anni ’70 a Loretta Goggi e Mary Poppins. Le parodie sono divertenti: “La bamba” diventa “La vampa”, “YMCA” è un inno alle donne, in “The lion sleeps tonight” si inserisce un simpatico ritornello napoletano e Fiordaliso si trova a farsi il verso su “Non voglio mica la luna”.
Le interpreti dimostrano che fascino, talento e carisma non hanno età, o se ce l’hanno di sicuro finisce in “anta”. Manuela Metri, oltre a curare la regia, interpreta la parte della sessantottina salutista, in precedenza affidata a Crystal White. Marisa Laurito non è una scoperta: è attrice dentro e la parte della casalinga napoletana con vezzi da “signora” (che ama i piatti etnici ma ne italianizza il nome) e “signorina” (che tenta di infilare le forme abbondanti in un body striminzito) le permette di esprimersi al meglio. Sono sue le scene più esilaranti. Fioretta Mari passa con assoluta naturalezza dall’atteggiamento arrogante della donna manager a un’imitazione scatenata e simpaticissima di Loredana Bertè in “Non sono una signora”. La sorpresa per il grande pubblico è Marina Fiordaliso (seppur già premiata nel ‘95 per l’interpretazione nel musical “Blood Brothers”): simpatica, a suo agio nei panni di attrice di soap opera ossessionata dalle rughe e con una voce grandiosa, dimostra che le vere artiste non passano mai di moda.

Regia di Manuela Metri, con M. Laurito, F. Mari, Fiordaliso, M. Metri.

“La musica è una connessione armonica tra tutte le creature dell’universo”

Evan Taylor ha undici anni e “sente la musica dappertutto”: nei rumori della vita quotidiana, nell’acqua che scorre, nella voce di una bambina, nella brezza che fa ondeggiare le spighe e tintinnare le campane a vento. Non sa suonare né leggere le note, ma grazie a una prodigiosa, innata sensibilità sonora riesce a percepire la musica in ogni aspetto della natura. Ogni sera alza gli occhi al cielo e contempla estasiato la luna e le costellazioni, convinto com’è, nella sua sconfinata saggezza di bambino, che il cosmo sia pervaso da un’armonia segreta e che sia sufficiente tendere l’orecchio per ascoltarla come se fosse una sinfonia. Ma c’è di più: il piccolo Evan è convinto che ciò che sente venga dai genitori, dai quali è stato separato dalla nascita. Così quando i servizi sociali si presentano nell’orfanotrofio dove vive per affidarlo a una famiglia adottiva, il nostro eroe decide che è giunto il momento di cercare la sua vera famiglia. Sarà la musica a indicargli la strada e gli basterà seguirla per giungere a destinazione, perché Evan è un bambino un po’ magico che “crede nella musica come gli altri credono nelle fiabe”. La natura parla a Evan attraverso la musica e gli suggerisce una verità sepolta dal tempo: i suoi genitori non sono morti, né lo hanno abbandonato volontariamente. Il padre ignora la sua esistenza, la madre è stata indotta con l’inganno a credere che il figlio sia morto subito dopo averlo dato alla luce. Sono entrambi musicisti, ma dopo il fugace incontro che ha generato Evan si sono persi di vista e hanno smesso di suonare. Sarà proprio il richiamo irresistibile della musica a ricondurli sulle tracce del figlio perduto. Intanto il piccolo Evan è partito alla volta di New York. La tentacolare metropoli è caotica e piena di insidie, ma lui sembra non accorgersene neppure, tutto concentrato a seguire la misteriosa topografia di suoni che orienta i suoi passi. In queste peregrinazioni Evan s’imbatte in uno scombinato musicista di strada che gl’insegnerà a suonare la chitarra ma cercherà di sfruttarlo e lo convincerà a cambiare il suo nome in August Rush - proprio come accade nelle fiabe più crudeli, dove certi malvagi sono più pronti dei buoni a scorgere la luce di un talento straordinario e subito cercano di acciuffarla per i loro ignobili scopi, sottraendola agli occhi del mondo. Dopo una sequela di avventure dickensiane, il piccolo musicista approderà alla prestigiosissima Julliard, dove rivelerà all’istante il suo genio mozartiano e finirà per comporre una rapsodia. Hans Christian Andersen era convinto che solo nella fiaba si trova il coraggio di chiamare le cose con il loro nome. Ed è con questa consapevolezza che dovremmo accostarci a “La musica nel cuore”, come se il film parlasse con il linguaggio evocativo delle fiabe o dei racconti popolari (magari della tradizione irlandese, come irlandese è la regista Kirsten Sheridan). Ma si sa, raccontare una fiaba non è cosa da tutti e la presenza del piccolo Freddie Highmore, bambino elfico e un po’ alieno, riscatta un film disuguale, penalizzato da una sceneggiatura che si lascia sfuggire qualche banalità di troppo. Ma l’idea di fondo è suggestiva: la natura parla agli uomini con un linguaggio che deve essere ascoltato e interpretato. Alcuni di noi captano quel linguaggio più facilmente di altri, ma pochi lo ascoltano. Spetta agli artisti e ai puri di cuore placare la nostra sete di assoluto e rispondere alle domande decisive dell’esistenza – chi siamo, dove andiamo e soprattutto da dove veniamo, riconsegnandoci a una verità atavica, primigenia che il vuoto chiacchiericcio della civiltà ha perduto o finge di non sentire.